Opa! E vem aí MESMO! O U2 se prepara para lançar Carnaval De Luz, seu primeiro álbum de inéditas em nove anos. Previsto para 13 de novembro de 2026, o trabalho marca um novo capítulo na trajetória da banda irlandesa, que celebra 50 anos de formação com um projeto marcado por reflexões sobre espiritualidade, esperança e a busca pela luz em tempos de incerteza.

Mais do que um novo disco, Carnaval De Luz apresenta uma proposta conceitual que dialoga com os EPs Days of Ash e Easter Lily, também lançados em 2026. A ideia de uma alegria desafiadora, capaz de resistir à escuridão, aparece como um dos pilares dessa nova fase. 

Entenda o conceito e conheça as 12 faixas de Carnaval De Luz

Preparei um vídeo especial para explorar o conceito apresentado pelo U2, suas referências e conexões com outros momentos da carreira da banda. Também comento, faixa por faixa, tudo que já sabemos sobre as 12 músicas do álbum, incluindo suas histórias, inspirações e participações especiais. Falei bastante também sobre a entrevista que eles deram pra Rolling Stone.

Assista ao vídeo completo abaixo e venha descobrir comigo o que podemos esperar de Carnaval De Luz!

Oieee! "Discover" é uma coluna mensal dedicada a apresentar as novidades do mundo da música, tanto nacional quanto internacional. Aqui, o foco é destacar bandas e artistas promissores. A cada edição, seleciono discos e singles de talentos ainda pouco conhecidos, mas que definitivamente merecem sua atenção. Em julho e agosto acabei não fazendo, mas já estou de volta. Segue:

 1. James Tonic transforma nostalgia em paisagem sonora em “At The Time In New York”

Os sintetizadores são utilizados com extremo bom gosto, construindo uma paisagem sonora rica e imersiva que nunca se sobrepõe à emoção da composição. Os vocais delicados e próximos reforçam esse sentimento de intimidade, enquanto a letra sensível e a produção elegante criam um equilíbrio raro entre melancolia e conforto. Acompanhe James Tonic nas redes sociais. 

2. Lisita mistura pop rock e latinidade em “Não Vou Te Dar”

Os vocais, com um timbre mais rústico e introspectivo, se encaixam naturalmente nessa proposta mais sombria, enquanto o instrumental mantém uma sensação constante de tensão e curiosidade. Há uma inquietação presente na música que faz com que ela permaneça interessante do início ao fim, revelando novas nuances a cada escuta. “Shade Of Gray” é uma faixa que valoriza atmosfera, identidade e imersão, demonstrando a capacidade de Jason Michael Moore de criar trabalhos originais e artisticamente consistentes. Acompanhe Jason Michael Moore nas redes sociais.

4. DDR transforma o luto em um desabafo poderoso em “Don’t Tell Me How to Grieve”

O desenvolvimento é outro ponto forte, com uma intensidade que cresce naturalmente e conduz o ouvinte até o final. Mesmo transitando por um território bastante familiar para quem acompanha pop punk e emo, “Decisão” demonstra personalidade, boa execução e uma compreensão clara da sonoridade que a banda deseja construir. Após dividir palcos com nomes como Zander, Menores Atos, Rancore e Pense, a Tropical Melancolia dá mais um passo consistente rumo ao lançamento de Imutável. Acompanhe a banda nas redes sociais.

6. Rumour Den encontra força e identidade em “All In This Together”

As guitarras também ocupam um espaço importante, presentes e intensas sem disputar atenção com os demais elementos, culminando em um solo final que fecha muito bem a construção da faixa. Mesmo trabalhando com referências bastante reconhecíveis do rock, “All In This Together” consegue evitar uma sensação derivativa e encontrar uma assinatura própria, algo especialmente interessante neste momento de retomada do Rumour Den. Acompanhe a banda nas redes sociais.

7. The Dares abraça a nostalgia dos anos 2000 em “Emo Revival”

Formada pelos irmãos gêmeos The Dares, a faixa “Emo Revival” nasceu de uma gravação esquecida por quase uma década e acabou encontrando justamente no passado sua maior inspiração. A dupla mergulha sem medo na estética do emo e pop punk dos anos 2000, trazendo guitarras energéticas, ótimos vocais e uma construção que remete àquela época sem esconder suas referências. A nostalgia é parte essencial da identidade da música, mas ganha uma camada interessante na letra ao inverter o mito de Ícaro: em vez de evitar o sol, a escolha aqui é voar deliberadamente em sua direção, transformando o antigo alerta em um ato de coragem.

Essa combinação entre memória afetiva e conceito faz com que “Emo Revival” vá além de simplesmente reproduzir uma sonoridade conhecida. A progressão mantém a energia e a intensidade emocional até o fim, enquanto a produção captura muito bem o espírito que a dupla decidiu resgatar. É um trabalho coeso, divertido e feito especialmente para quem ainda guarda um espaço considerável no coração para o emo dos anos 2000. Acompanhe The Dares nas redes sociais.

8. Red Moon Yard encontra serenidade e reflexão em “Crucify Your Mind”

Com uma proposta que une rock, contemplação e uma mensagem inspirada pelo budismo, Red Moon Yard apresenta “Crucify Your Mind”. A faixa constrói uma atmosfera calma e acolhedora, convidando o ouvinte a desacelerar e prestar atenção em sua mensagem. Os vocais suaves combinam naturalmente com a proposta, enquanto os elementos acústicos e discretas influências do country ajudam a criar uma sonoridade particular, mantendo a composição fluida e coesa do início ao fim.

Mais do que buscar grandes explosões, “Crucify Your Mind” encontra força justamente em seu caráter contemplativo e na tranquilidade que transmite sem se tornar monótona. A identidade visual do projeto também complementa essa experiência, com capas que reforçam a personalidade e o universo construído ao redor das músicas. O resultado é um trabalho consistente, agradável e com uma identidade bem definida. Veja as redes sociais do artista.

 9. MAXSIMUL explora uma jornada cósmica e introspectiva em “The Fate Moon”

O músico moscovita MAXSIMUL apresenta “The Fate Moon”, uma composição que parte de temas como solidão, busca e esperança para construir uma jornada inspirada pelas imagens de três luas e pela ideia de encontrar alguém capaz de reconhecer a essência de outra pessoa. A atmosfera misteriosa surge já nos primeiros segundos, acompanhada por vocais roucos que combinam muito bem com a intensidade da proposta. Aos poucos, os elementos de rock ganham força e ampliam a dimensão da faixa sem abandonar o clima estabelecido em sua introdução.

A duração extensa também faz sentido dentro dessa construção. Em vez de seguir uma estrutura convencional, “The Fate Moon” utiliza o tempo para desenvolver seus arranjos e transformar a música em uma experiência progressiva e atmosférica, especialmente interessante para ouvintes que apreciam composições mais longas e imersivas. O resultado é uma faixa envolvente, que une peso e contemplação dentro de uma proposta bastante particular. Acompanhe MAXSIMUL nas redes sociais. 

 Oieee! "Discover" é uma coluna mensal dedicada a apresentar as novidades do mundo da música, tanto nacional quanto internacional. Aqui, o foco é destacar bandas e artistas promissores. A cada edição, seleciono discos e singles de talentos ainda pouco conhecidos, mas que definitivamente merecem sua atenção. 

1. Samuel James transforma som em experiência imersiva em “MOAT”

Os vocais são um dos grandes destaques da faixa: crus, expressivos e cheios de atitude, encaixando perfeitamente no conceito da música. A letra fala sobre deixar de esperar o “momento ideal” e entender que o presente é o único tempo realmente disponível para agir e transformar a própria vida. Mesmo trazendo uma reflexão mais profunda, “Time” mantém uma atmosfera envolvente e até dançante em alguns momentos, tornando a experiência leve, dinâmica e muito autêntica. Acompanhe Sean Mitre nas redes sociais.

4. Yuri Manara aposta na sensibilidade do pop rock em “Daqui pra Frente”

O cantor e compositor gaúcho Yuri Manara, de Gramado (RS), apresenta “Daqui pra Frente”, seu segundo single autoral e mais um passo na construção de uma identidade musical que transita com naturalidade entre o rock e o pop rock contemporâneo. A faixa chama atenção logo na introdução e conduz o ouvinte de forma fluida até um refrão emocional e marcante. Com guitarras delicadas e uma interpretação vocal suave, mas cheia de presença, a música cria uma atmosfera reflexiva que combina perfeitamente com sua proposta de falar sobre recomeços, escolhas e transformação.

A sonoridade remete em alguns momentos ao britpop clássico, evocando referências que podem lembrar Oasis, mas sem perder personalidade própria. A letra se destaca justamente pela sutileza, transmitindo emoção de forma sincera e sem recorrer a clichês. O resultado é uma canção leve, envolvente e muito bem produzida, que demonstra maturidade artística e potencial de conexão com diferentes públicos. Acompanhe o Yuri nas redes sociais para conhecer mais sobre seu trabalho e seus próximos lançamentos.

5. Almada encerra seu EP de estreia com a atmosfera envolvente de “Máscaras”

O grande destaque está na forma como a faixa cresce ao longo de sua duração. Mesmo começando de maneira mais contida, ela ganha intensidade naturalmente até alcançar um momento mais expansivo e catártico, culminando em um solo de guitarra que reforça toda a carga emocional da composição. “Máscaras” é um trabalho sensível, coeso e muito bem desenvolvido, que fecha essa primeira fase da Almada com personalidade e maturidade artística. Veja também a banda nas redes sociais.

6. Wills Tevs mistura crítica social e irreverência em “PARQUE DE DIVERSÃO [se um vazio te encontrar]”

A criatividade é um dos pontos fortes da composição. Mesmo quando flerta com o caos e com contrastes entre letra, melodia e arranjo, a faixa deixa clara sua intenção artística e sua vontade de provocar sensações e interpretações. Os vocais conduzem bem a proposta, e a ideia de um videoclipe ambientado em um playground parece complementar perfeitamente esse universo satírico e desconfortavelmente divertido. Acompanhe Wills Tevs nas redes sociais para conhecer mais sobre o álbum Infinitas___Lacunas e seus próximos lançamentos.

 7. Used to Be Valentines revive a intensidade do emo em “Don’t Call Me Baby”

A banda apresenta uma faixa que mergulha de cabeça na energia emocional do emo e do pop punk. Com guitarras pulsantes, refrão marcante e uma temática que fala sobre a dificuldade de se desvincular de alguém que ainda ocupa espaço na sua vida, a música captura com precisão aquela mistura de saudade, frustração e vulnerabilidade que marcou o gênero nos anos 2000. Ao mesmo tempo, a produção moderna e focada em grandes melodias garante que a faixa soe atual e acessível para novos ouvintes.

Um dos grandes destaques está na alternância de vocais entre Niels Sorensen e Rachel Lynch, que transforma a música em uma espécie de conversa inacabada, cheia de tensão e química. Essa dinâmica adiciona personalidade e mantém a narrativa sempre interessante, reforçando o aspecto emocional da composição. O refrão tem força suficiente para ficar na cabeça, enquanto a sinceridade da interpretação sustenta a experiência do início ao fim. Acompanhe a Used to Be Valentines nas redes sociais para conferir os próximos lançamentos e novidades do álbum Growing Pains.

8. Heroine Honey mergulha na nostalgia e na delicadeza em “Wildflowers”

A banda Heroine Honey, de Las Vegas, apresenta  uma faixa envolvente que combina delicadeza, melancolia e uma atmosfera sonhadora inspirada pela impermanência das coisas belas. Com influências que remetem a nomes como Fleetwood Mac, Mazzy Star e The Sundays, a música aposta em texturas etéreas, vocais intimistas e uma estética alternativa noventista que transporta o ouvinte para um universo de memórias, saudade e contemplação. O resultado é uma canção que soa familiar e acolhedora, sem abrir mão de sua própria personalidade.

Os vocais delicados conduzem a narrativa com sensibilidade, enquanto a melodia cria um clima nostálgico que se desenvolve de forma natural e envolvente. A letra e o videoclipe complementam perfeitamente a proposta da música, reforçando temas como a passagem do tempo, a fragilidade dos momentos e a beleza das coisas que desaparecem enquanto ainda florescem. Veja também nas redes sociais. 

Qual mais te chamou a atenção?

Opa! Se você quer ir ao Rock in Rio 2026, mas não comprou o Rock in Rio Card, ainda tem uma grande chance: a venda geral de ingressos por dia.

Neste guia completo, explico como funciona a venda, valores, regras de meia-entrada, pré-vendas e dicas práticas para aumentar suas chances de conseguir ingresso.

O que é o Rock in Rio Card?

O Rock in Rio Card é um tipo de pré-ingresso vendido antecipadamente, geralmente com valor mais baixo. Quem comprou o Card pode escolher a data do festival posteriormente, dentro de um prazo determinado.

A troca do Card é feita no site oficial e só pode ser realizada uma vez. Caso a pessoa não escolha o dia, a organização pode alocar automaticamente em uma data com menor demanda.

Se você não comprou o Card, ainda pode participar da venda geral normalmente.

Quando acontece a venda geral do Rock in Rio 2026?

A venda geral acontece no dia 26 de maio, ao meio-dia, exclusivamente pelo site da Ticketmaster.

Não há venda presencial.

A fila é única para todos os usuários. Ou seja, você entra na fila e só depois escolhe o dia que deseja comprar.

Preços dos ingressos

Os valores para o Rock in Rio 2026 são:

• Inteira: R$ 870
• Meia-entrada: R$ 435
• Ingresso Itaú: R$ 739,50

Esses valores são finais. Não há taxa de conveniência adicional.

Pagamento via Pix oferece 10% de desconto.

Formas de pagamento

• Pix (com desconto de 10%)
• Cartão de crédito Itaú (até 8x sem juros)
• Outros cartões (até 6x sem juros)

Cartões internacionais não permitem parcelamento.

Pré-venda: Club e Itaú

Antes da venda geral, existem duas modalidades de pré-venda:

Pré-venda Club
Disponível para quem adquiriu pacotes Club (como Lounge ou One).
Acontece de 19 a 25 de maio, ao meio-dia.

• Até 2 ingressos por dia por CPF
• Máximo de 1 meia por dia

Pré-venda Itaú
Também ocorre de 19 a 25 de maio.

• Até 4 ingressos por dia por CPF
• Máximo de 1 meia por dia
• Limite total de até 10 ingressos por CPF

O pagamento deve ser feito com cartão Itaú.

Transferência e revenda de ingressos

Os ingressos são transferíveis a partir de cerca de 30 dias antes do evento.

Não é possível reverter a transferência depois de concluída.

Caso você não possa ir, a recomendação é utilizar plataformas seguras de revenda.

"Discover" é uma coluna mensal dedicada a apresentar as novidades do mundo da música, tanto nacional quanto internacional. Aqui, o foco é destacar bandas e artistas promissores. A cada edição, seleciono discos e singles de talentos ainda pouco conhecidos, mas que definitivamente merecem sua atenção. 

1. RISE aposta em energia e positividade no single “Dreams”

A banda britânica RISE, de Liverpool, apresenta “Dreams”, um single que traduz bem sua proposta de rock direto, energético e otimista. Com uma construção dinâmica e envolvente, a faixa fala sobre sonhos, planos e a incerteza do caminho até eles. Mesmo sem buscar grandes inovações, “Dreams” se destaca pela execução sólida e pela honestidade naquilo que se propõe: um rock acessível, bem feito e com energia contagiante. Acompanhe RISE nas redes sociais. 

2. Dax mergulha na vulnerabilidade em “God, Can You Hear Me?”

A força da faixa está justamente na sua verdade. Os vocais são intensos e comprometidos, transmitindo cada sentimento com precisão, enquanto a produção sustenta essa carga emocional sem excessos. Há uma consistência clara no trabalho de Dax: autenticidade, profundidade e conexão real com quem escuta. “God, Can You Hear Me?” é daquelas músicas que não passam despercebidas. Veja nas redes sociais.

3. The Taciturn entrega intensidade e atitude em “You Got Nothing” 

O artista australiano The Taciturn apresenta “You Got Nothing”, faixa de abertura do álbum Where Walls Once Stood, trazendo uma sonoridade marcada pela tradição do pub rock de Brisbane com uma energia crua e direta. Desde os primeiros segundos, a música chama atenção com uma introdução forte e uma atmosfera sombria bem construída, que se mantém consistente ao longo de toda a faixa. A proposta é clara e bem executada, com riffs marcantes e uma estética que reforça essa identidade mais densa e imersiva.

Mesmo com uma estrutura mais repetitiva, a música não se torna cansativa - pelo contrário, isso ajuda a consolidar seu clima e personalidade. Os vocais carregam atitude e autenticidade, alinhando-se perfeitamente ao tema da canção, que aborda o peso emocional de assumir a culpa pelo fim de um relacionamento. 

 4. Madame Ralph provoca e instiga com o single “Roda”

Essa sensação de desconforto e ausência de respostas se manifesta não só na letra, mas também na estrutura da música, que foge do óbvio e aposta em surpreender o ouvinte a cada nova camada. Mesmo com essa carga mais densa, há um cuidado em manter uma melodia marcante, que ancora a música no campo do pop e amplia seu potencial de conexão.

“Roda” é um trabalho criativo, instigante e cheio de personalidade, daqueles que crescem a cada nova escuta e deixam marcas. Acompanhe Madame Ralph nas redes sociais.

5. Sukar Nation transforma festa em som com “Balkan Disco Dance”

 A presença dos elementos balcânicos torna tudo mais autêntico e contagiante, criando uma atmosfera única que prende o ouvinte do início ao fim. “Balkan Disco Dance” é daquelas músicas que não pedem análise profunda -  ela simplesmente funciona, diverte e convida a ouvir de novo. Acompanhe Sukar Nation nas redes sociais.

6. Honorius Causa estreia com força e crítica em “Miúdos do Subúrbio Esquecido”

O projeto português Honorius Causa apresenta “Miúdos do Subúrbio Esquecido”, um single de estreia que chega com impacto direto e sem suavizar sua proposta. Misturando hardcore, thrash e influências de nu-metal, a faixa aposta em riffs agressivos e uma sonoridade crua para traduzir uma narrativa social intensa sobre juventude periférica, resistência e abandono. Cantada em português europeu, a música carrega uma identidade forte e autêntica, com letras viscerais que dialogam diretamente com a realidade que propõe retratar.

A curta duração joga a favor da faixa, mantendo a energia sempre elevada e deixando aquela sensação de “quero mais”. O peso das guitarras e a abordagem mais direta aproximam a música ainda mais do metal, com uma execução firme e sem concessões. “Miúdos do Subúrbio Esquecido” é um trabalho honesto, pesado e com personalidade.

Até a próxima!